Nos hubiéramos amado tanto - Jorge Lucas Romero Marquiegui

Hablemos de un drama familiar, de la disputa marital, de las dificultades del argentino que a principios del siglo veintiuno buscaba escapar de si mismo; hablemos de posibilidades económicas, de amoríos que exploran la sexualidad, del pasado lleno de gloria de un escritor y sus libros, de lo personal que confluye en un punto común en la historia de alguien más; y hablemos de amor en sentido puro, de pasión juvenil, de razón en un drama adulto. Esto encontramos en “Nos Hubiéramos Amado Tanto” de Cristina Hynes O´Connor, escritora y directora de la obra.

Estrenada en mayo del presente año en la ciudad de Salta, la propuesta del Grupo Teatral El Retiro es protagonizada por Luís Caram y Mélanie Nacul acompañados por Mel Nacul.

Hynes O´Connor plasmó de manera escrita problemáticas intimas dentro del marco de una familia que disfrutó en sus buenos tiempos de las bondades del dinero que brindaba el arte literario. Las relaciones que se establecen entre los personajes completan la historia hasta descubrir casi al final de ésta la verdadera relación detrás de lo que se relata en tiempo presente.

Un comienzo lento entre Caram y la joven Nacul hace que el espectador intuya con esfuerzo las intenciones de la historia y él o los personajes que están dentro de ella aunque no tengan presencia en escena. Esta intención no se recluye en ella. Poco a poco los matices de cada personaje de dejan entrever al completarse el elenco en el escenario. La aparición de Melanie brinda un ritmo ágil a la interpretación de los diálogos que pasan del sarcasmo a la violencia verbal y física para desembocar en anécdotas y un llanto que desnuda la trama final. El público percibe estas emociones no solo por el texto sino también por el desenvolvimiento expresivo de gestos y ademanes. Los dos actores logran una cercanía con el público sin errores o baches de tiempo.

De lo técnico la escenografía realista de un despacho o estudio se nutre con los detalles de retratos reales y otros accesorios. Muy bien lograda para el desplazamiento de los actores y muy bien utilizada por los mismos. Las luces acercan y alejan al espectador, reducen a la intimidad y por momentos permiten el paso a la observación de un espacio cargado de tensión.

El resultado final es un espectáculo atrapante, real en un cien por ciento, que puede pulirse con el tiempo en detalles mínimos, que no debe dejar de verse.

Finaliza, por el momento, sus funciones en el Salón Auditórium Dr. Rafael VIllagrán Belgrano 1349 los días 31 de julio y 01 de agosto a las 22hs. “El Retiro” a su vez realizará posteriormente una gira por la provincia de Tucumán y esperamos regrese con más fechas.

Érase una vez un Rey - Jorge Lucas Romero Marquiegui

Dentro del espacio físico que ocupa la Asociación Argentina de Actores en nuestra ciudad se construyó una sala de teatro que brinda a los Grupos Independientes la posibilidad de montar sus espectáculos sin que esto signifique un gasto elevado al momento de buscar escenarios. En este lugar, el día jueves 23 bajo la dirección de Cristian Villarreal, se presentó la obra Érase una vez un Rey del dramaturgo chileno Oscar “Cuervo” Castro.

La obra fue representada por los actores debutantes Esteban Bustos y Marcelo Fernández en los roles protagónicos, acompañados en el reparto por Bernabé Bustos y Sonia Párraga Ávila. Suele suceder que los lugares pequeños y acogedores se convierten a su vez en íntimos y reconfortantes. Bajo el frío que registraba el termómetro aquella noche pudimos, de la mano del Grupo El Umbral, “encerrarnos en la calle” y visualizar de la mano de lo fantástico el universo de quienes no tienen techo, dinero o sustento alguno y a su vez juegan e imaginan.

De repente la cruda realidad que uno podría imaginar se convierte, entre tachos de basura, gomas de bicicleta y carritos de supermercados que componen la escenografía en una parodia de la misma historia latinoamericana. El texto de Castro en escena se interpreta como una comedia que juega con el Poder Político y con quienes lo ejercen. Se deja entrever la necesidad de poder, la manipulación del pueblo, incluso la evolución de las distintas formas de gobierno con algunas de sus características más notorias. Ahora bien, la adaptación que realizó Villarreal le permitió incluir frases y dichos de reconocimiento popular que en alguna ocasión usaron políticos como Raúl Alfonsín y Carlos Menem; por otro lado la interpretación del “Dictador” asemeja a un verduzco y antiguo Aldo Rico.

El aspecto técnico tuvo como principal elemento la iluminación, la cual recurriendo a recursos audiovisuales hizo del espectáculo un montaje que al cierre del mismo se asemejó al utilizado comúnmente en el cine. La musicalización se adecuó a los momentos de los personajes y favoreció el desarrollo y fluidez de los actores.Érase una vez un Rey es un espectáculo cálido, ameno, incluso familiar.

La propuesta conmueve e invita a una reflexión sin omitir una sonrisa.Las próximas funciones serán en la misma sala dentro del marco del Festival Meta Teatro.

Sólo los Giles Mueren de Amor - Jorge Lucas Romero Marquiegui

La noche del sábado a las 22hs en la sala Mecano de Casa de la Cultura se estrenó la obra de Cesar Brié llevada a escena por el grupo ARPI Teatro bajo la dirección de Omar Pizzorno, Solo los giles mueren de Amor. Este unipersonal fue protagonizado por Gustavo Garcia con la asistencia técnica de Facundo Herrera. El estreno tuvo la dicha de tener la sala casi completa, de hecho hubo personas que no pudieron acceder al momento de presentarse en boletería ya que las butacas estaban reservadas.

Cesar Brié plantea en esta dramaturgía el drama de la vida y la muerte. Un solitario deja el mundo y detrás de él quien asiste a su velorio lleva al espectador por los pormenores de la vida del difunto; sus gustos, ideología, despertar sexual, aspectos artísticos, etcétera. Una obra que busca heterogeneidad en la vida humana, diversidad que en realidad puede volverse una simple máscara ante la verdadera y pesada existencia. Un alma atormentada que vivió de lo que amaba sin amar a nadie, sin saber usar palabras justas en momentos necesarios, un cuerpo que termina atormentado por aprender a amar de una manera personal, estúpida.

Los diálogos en primera y segunda persona le permiten al actor experimentar la variedad de voces etáreas y sociales; desde el mismo muerto, su padre, las voces de quienes lo acompañaron en vida y una burla constante por la personalidad del difunto permiten hasta justificar la muerte de este. Gustavo García logra despertar el interés en el espectador entre gesticulaciones y pasos de personaje a personaje. El centro de la visión se enmarca en su rostro alterado por las luces y los sentimientos de dicha, nostalgia, paranoia y soledad. El espectador se convierte en un deudo, pero solo por momentos, ya que muchos signos o señas no llegan a ser interpretados en su totalidad debido a la dificultad visual de quienes pasan de la tercera fila sumados a la subjetividad de la propuesta.

Por otra parte, el acompañamiento lumínico y musical hace ameno el transcurso de la puesta; llegan a su máximo clímax cuando García abre la Biblia rememorando el pasado del difunto y su vinculación con la religión lo cual sumerge brevemente todo el espacio en esa imagen.

Pizzorno explora una dramaturgia distinta y aporta a la construcción de manera favorable con los aspectos técnicos. Sumado esto a la interpretación de García convierte a Solo los Giles Mueren de Amor en un momento único para el espectador, salvando el inconveniente de la disposición espacial de las butacas. Las próximas funciones serán los días viernes 24, sábado 25, a las 22.00hs y el domingo 26, a las 20 horas en el mismo espacio de Casa de la Cultura.

Taras Bulba - Jorge Lucas Romero Marquiegui

El pasado jueves a las 21hs en la sala Juan Carlos Dávalos de Casa de la Cultura se proyectó el documental “Cuando el Pueblo fue Hollywood” del director Federico Windhausen basado en la producción cinematográfica estadounidense Taras Bulba del año 1961 filmada en estos lados del mundo.

Se podría decir que la convocatoria a ver este trabajo recordó también a la del filme original ya que las ansias de los asistentes se hacían notar en las inmediaciones de la sala. Muchos fueron con la expectativa de llegar a ver fragmentos de lo vivido en los sesenta, tal vez ilusionados de verse jóvenes nuevamente o de ver a la ciudad sin los cambios que hoy notamos. Qué pueblo no se entusiasma con la idea de participar en una megaproduccion hollywoodense.

El documental duró alrededor de cincuenta minutos. La versión a la que asistimos no contaba con la edición de sonido por lo que en alguna de las entrevistas resultó dificultoso escuchar con claridad. Entre los entrevistados se encontraba el actor Castulo Guerra (quien expresa que la participación en este filme le permitió definir su vocación), especialistas salteños que se encuentran trabajando en otros lugares del país y ciudadanos residentes de la ciudad que fueron convocados mediante anuncios en los periódicos y medios locales. Entre escena y escena se entrevió el marcó meramente anecdótico del trabajo. Las risas por los recuerdos de viveza criolla al momento de cobrar los días de rodaje, o las huelgas planteadas por los extras más algunos indicios históricos propios de la época fueron la guía para el espectador.

Al finalizar la proyección se inició el diálogo entre el director y el público. Mientras que algunos indagan en los pormenores de la realización otros opinaban del trabajo final. Algunas preguntas quedaron sin respuesta, como por ejemplo la veracidad de lo comentado por los entrevistados; el director comentó la imposibilidad de llegar a comprobarlo. Por otro lado, si bien la cantidad de entrevistados superaba la decena, el hecho de ser convocados voluntariamente no brindó la suficiente satisfacción testimonial a los presentes.

Lo realizado por Windhausen es sencillamente, y sin negar el aporte cultural y de archivo, una recopilación destinada a quien desee recordar 1961 como el año en que el pueblo salteño trabajo en Hollywood. Aun no contamos con la posibilidad de ver documentales de Salta o salteños constantemente pero el aporte es válido, al menos, a la historia.

Un día en la vida de los únicos habitantes del Universo - Jorge Lucas Romero Marquiegui

El Sábado 11 de Julio se estrenó la ultima obra dirigida por Jorge Renoldi, basada en los textos de Diego Bañares, en el Centro Cultural Aristenes Papi. Aquella fría noche el público Salteño, entre colegas actores y adeptos al teatro, se hizo presente espectante a la nueva propuesta.

Promocionada como un espectáculo que no era ni el Paraíso Inutil de Romina Chávez Díaz, el Malentendido de Albert Camus, o Eva y la Muerte con Ana Maria Parodi (todos recordados éxitos); esta obra apostó, ante todo, al talento de los actores como principal elemento componente durante poco más de una hora. Y es que no hubo escenografía, vestuario, maquillaje o un adicional estético que interviniera en la relación que mantuvieron Mariano Madrazo y María Pía Carballo con el público; una relación que con el paso de los diferentes personajes, situaciones y diálogos se torna en la misma que establecen dos únicos seres en el universo, íntima, de dominio.

Parafraseando al autor "...El teatro para merecer el título de arte independiente, debe priorizar ese espacio intermedio entre público y escena. Esa zona de misterio y malos entendidos, de sugerencias y fracasos, de peligro constante..." ¿Son estas palabras puestas en práctica por Renoldi?, la intención del autor fué tal vez que este texto se transformara en una experiencia más de contrucción actoral. La visión del director en este caso suma a esta propuesta. La idea de un teatro reglado artística y formalmente se desafía con esta visión, el espacio entre actor y público, el riesgo de una puesta extrema (o distinta) hacen del teatro un arte diferenciado. Pocos elementos y mayor entrenamiento de actores es lo que se pudo observar; construcciones que debían hacer del espectáculo una práctica sensitiva, visual, del cara a cara. Solo los silencios y las sombras permitieron el distanciamiento.

El ritmo que llevaron tanto Madrazo como Carballo se completó con la elaboración de personajes claros, definidos cuya belleza en algunos casos radicaba en la misma fealdad de la fisonomía, mentalidad y gestualidad. Hay que considerar accidentes no previstos como la rotura del sujetador de cabello de la actriz o el golpe sufrido en la cabeza por Madrazo al caer en una de las escenas; situaciones que salvaron estrategicamente.

Sin duda alguna esta pieza convocará tanto antiguos como nuevo seguidores del teatro de Renoldi. La recomendación es asistir, invitar y disfrutar.